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《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感精选品读

出处:来源于网络

《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感精选品读

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》是一本由[英国]唐纳德·雷诺兹著作。译林出版社出版的平装图书。本书定价:25.00元。页数:137。特精心从网络上整理的一些读者的读后感。希望对大家能有帮助。

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》精选点评:

  ●19世纪复杂的社会政治文化变迁之下。产生了丰富的艺术流派和运动。我个人很喜欢浪漫派的风景画和工业革命带来的工艺美术运动。书中对作品的辨析简洁而切中要害。让人深受启发。

  ●高更也好。凡高也罢都太过简略了

  ●可能想涵盖的内容过多。所以基本都是蜻蜓点水。很多内容缺少配图。还要上网自己查。有些还查不到

  ●作者每个派别都说了一点。所以都很大略。另外这一本的图片编辑很不认真!图片位置乱放。而且文中很多重要图片都没有。篇幅有限。不好展开吧可能是。新艺术运动的图片和样例都没有代表性。算了算了。就这样了。。。这个剑桥系列。看下来也就一两本可以

  ●内容较为充实。但配图较少。

  ●新古典主义和浪漫主义掐吗?论崇高的伯克影响了威廉布莱克?和几个画作?拜伦勋爵讲过淫荡的皇帝萨达那帕勒斯的故事。诗《萨达那帕勒斯》给本世纪的宠儿德拉克洛瓦的画影响。培根职与趣合何其乐也。库尔贝画室。罗塞蒂喜欢布莱克。前派的莫里斯怎么社会社会了?金黑色之夜的颜色稀奇叹稀奇!美国惠斯勒创作的孔雀厅有凤来仪!!瓷国公主。莫罗的莎乐美。最爱的19世纪。是约瑟凡·佩拉当双性人。

  ● 喜欢戈雅和罗丹这两位恐怖艺术先驱 后印象派的几个人因为看了《梵高传》还挺亲切的 提奥真爱

  ●19世纪艺术蕴育了很多流派。艺术家从各个历史时期的艺术品汲取灵感。探索新风格。很多艺术家和流派间互相影响。加上工业革命的开始。形成了艺术形式最为多样的一个时期。

  ●开始精彩了!

  ●就像2001太空漫游最后部分。艺术史达到了高潮!

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感(一):总归是英国人的视角

  感觉还是太简单的介绍。入门级或大众级。对于很多艺术家的介绍也是蜻蜓点水。作品的选录也不太多。而且很多画和雕塑不太清楚。可惜。

  英国人写的总是偏重英语国家的艺术家。而19世纪恰恰是大陆国家人才倍出。光法国。其实就可以写上一大本。

  羡慕法国的小朋友。可以去博物馆美术馆上课。从小接触真迹。

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感(二):美中不足

  可惜一点。书中提及的人名缺少英文或者对应的法语德语写法。因为中译的外国人名是没有一个特别明确的标准的。不同书籍中人名的译法并不同。所以常常让人觉得对不上号。

  现在就发现这么多。

  可惜一点。书中提及的人名缺少英文或者对应的法语德语写法。因为中译的外国人名是没有一个特别明确的标准的。不同书籍中人名的译法并不同。所以常常让人觉得对不上号。

  现在就发现这么多。

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感(三):不比不知道

  十多年前买过一套三册七卷的《剑桥艺术史》(中国青年出版社)。这次又买了译林出版社2009的新版。两相比较。发现以下问题:

  1、2009年的译林版在三册七卷的基础上直接改成了一卷一册。加上原中青版附录中的绘画欣赏部分。共8册。总定价180元(网上当然基本能买到去掉零头的那个价)是1994年中青版90元左右定价的一倍。其实比起其他商品的通胀程度。这点差距不算神马。

  2、中青版中古希腊罗马和中世纪前两部分的译者为罗通秀。其余八分之六的翻译由钱乘旦完成。署名是二人合译。而新的译林版全部由钱乘旦一人翻译。署名也只有钱一人。两个版本的前两部分我比较了一下。译笔确实不同。这之中必有故事。感兴趣者可去探究。

  3、老的中青版装帧朴素。甚至有些简陋。纸张差、印刷模糊。译林版改为大开本。装帧、印刷和用纸也更加讲究。原来的很多黑白图都换成了彩色的。这一点对于这类图书无疑是迈了一大步。虽然它仍然不能令你十分满意。

  话说回来。无论是那个版本。这都是一套值得推荐的好书。

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感(四):一点想法

  每个时代的艺术。就一定程度而言。正应验了Hegel的观点:即在否定之否定中完成某种上升。罗可可在18世纪大行其道。进入19世纪。反对那种轻佻的画风的创作风气也应运而生。并且实现了超越——那就是新古典主义和浪漫主义在这一百年中脱颖而出。

  这是一个视觉艺术与审美复古的时代。所谓新古典主义。是指以明快的直线条、光滑的塑像式造型和分明轮廓中使用厚重色彩为内容。有意识地选择对象并表达健康的个性与道德感的创作潮流。这些新古典主义的作品。也像古罗马作品一样。意欲表达某种普遍和永恒的价值。质朴和庄严肃穆体现了他们对艺术源流的关照和高尚的艺术情趣。路易·大卫的《苏格拉底之死》就传达出某种崇高与神圣。这幅画中存在着一些现实真相的错误如古罗马拱形门的构造;但这不妨碍作品的艺术价值。用宗教的“画像法”来描绘非宗教的题材。这可被视作一种创举。然12门徒和“最后的晚餐”式的构图。更升华了苏格拉底为真理殉道的崇高。

  浪漫主义这样的称呼其实并不稳妥。我们说有这样一种创作潮流。莫不如说艺术家们有渴望表达自己激烈而热情奔放的情感需求。体现在作品中。就洋溢着新时代的欢快。德拉克罗瓦、安格尔、戈雅等都是这个时期有代表性的艺术家。

  艺术的感染力——我视之为艺术的灵魂。艺术作品如果丧失了感动观众的作用。那在现在这样一个时代。照片完全可以取代绘画。

  而当我一路走来。似乎看见了“艺术死了”的无奈。有太多的艺术作品在形式上无法完成对前人的超越。《瞭望塔中的阿波罗》被多少雕塑家争相模仿。成为塑造男性形象的模范。终难逃脱原型的桎梏;《美地奇的维纳斯》又被多少画家模仿。成为艺术上难以摆脱的范式?有范式好啊。后来的艺术家。不需要太多的天才。只要勤奋临摹。中能完成艺术外形的高超。但正像我上面提到的。艺术的灵魂是感染力。模仿——终究不能达成对人内心震撼的结果。还记得巴洛克的风气刚盛行的时候。竟能出现在画前晕厥这样不可思议的事情——艺术家触及了人们深层的灵魂啊!

  所以这样看来。无论是什么主义。都不能代表艺术作品的程度。但某些主义倒确实对生活产生了影响。比如罗可可“风景如画”原则的影响下。纽约的“中央公园”就这样被建立起来了。

  而到了后来。印象派似乎又是在浪漫派基础上的新超越。但其实印象派是源自现实主义的。印象派将绘画从学院式中解放了出来。并遵循“印象即永恒”的思维导向、“色彩和谐理论”。热衷于记录光色的明暗变化。莫奈1869年的《浅滩》和德加否有争议的《晨浴》应该都不陌生。时间轴再拉长。拿撒勒画派、拉斐尔前派、工艺美术运动、新艺术、象征主义和幻象派艺术等等真是纷乱了人们眼睛。

  只有在后期印象派中。我才发现了我所向往了美。只因为他——文森特·梵·高——尽管后期印象派最后走向了象征派。梵高是孤独的。不理解他的人只说他是割掉自己耳朵的疯子;只有那些仰望星空默默流泪的人。才能发现一颗过早陨落的天才的心。

  星期二。梵高死在他兄弟怀里。提奥始终未能从悲伤中恢复出来。五个月后。他在荷兰去世。年仅三十三岁。

  提奥的死对于先锋派画家是一个损失。因为他懂他们的画。也知道如何招徕顾客。让他们理解后期印象派在19世纪末这个艺术转变时期所能做出的贡献。

  想起毛姆的小说《月亮与六便士》——我们不懂艺术家。艺术家也不屑解释。

  《剑桥艺术史:19世纪艺术》读后感(五):自然与人的情绪表达美的感受。

  19世纪的艺术。从新古典主义和浪漫主义开始。过度到新现实主义。以印象派运动为契机。发展了新的艺术形式。《剑桥艺术史:19世纪艺术》的作者主要介绍了这个时期的雕塑和绘画。内在的讲述逻辑是“艺术如何一步步发展至此”:艺术家和艺术家之间有交流。作品和作品之间便有了链接。即便有“印象派运动”这种不被当下主流学院派艺术认可的艺术形式。最终作品的线条、色彩、构图等重要因素的发展仍有迹可循。当然。对现时代的我们而言。19世纪的艺术是另一个璀璨的时期。其中每位画家、每个画派都值得细细研究。

  从文艺复兴开始。古典主题与造型就一直是视觉艺术的基本特色。但新古典主义的不同之处在于。它有意识地选择对象。既排斥洛可可的浅薄。也否定巴洛克以假乱真的错觉构图。艺术家通过健康的理性和强烈的道德感。对希腊罗马文物中代表着高尚美德的形象加以复原并改造。由此而试图改造世界。这种为崇高的道德目标而否定洛可可的轻浮和巴洛克式狂暴的现象。在某些历史学家看来。正反映着18世纪末启蒙运动的理想已达到最高境界。

  在雕塑方面。19世纪的艺术家对洛可可风格中所谓的轻佻与缺乏理性作出反应。试图在美学中树立真实、纯洁与庄严这些特质。他们认为这些品质都表现在古代最优秀的作品中。此外。恢复这些古典形式还有伦理方面的目的。即在纯洁艺术的同时纯洁社会。雕塑家要阐释人的精神需要。阐释他最细腻的感情。甚至他含糊的追求。和他对道德美与智慧美的看法。

  浪漫主义雕塑与新古典主义雕塑的不同之处在于。它的主题表现热烈的感情。它的风格具有强烈而带夸张色彩的动作特征。往往用类似于速写的技巧加以表达。

  其实我之前一直看不懂雕塑。只能感到大理石质地的压迫感。古代雕塑家在表现人类肉体时能够取得丰富多彩的表面效应与纹理。这在我看来。似乎是不可理解的。后来知道。雕塑的迷人之处在于本身就是物质(石头)和精神(作品)之间的纠缠。

  在表达人类最崇高的追求时。感觉(真实)与灵魂(理想)是融合的。

  关于19世纪的风景画。作者谈到。“人必须与自然相结合。自然与人的情绪及美的感受相关联。这些认识。现在清楚地表现在艺术家的尝试中。他们要表达对乡村的感受。而不是单纯对它加以摹拟;他们要传递对某一特定地区的情趣。而不是对整个自然的情感。”

  对比此时期的透纳和康斯特布尔。一个擅长写形传神。一个擅长捕捉瞬间。但后者的画提出一个问题:“如何才能出乎其外?”每一件简单而转瞬即逝的事情中都有愉悦。也有持久的回报。这在事情发生时也许并不能充分被人意识到。但康斯特布尔的画却表明:在某种意义上。经验超越现状。引向追忆。哪怕仅此而已也罢。

  这让我思考:在欣赏艺术时。能否把时代自身的局限性完全考虑进来?估计是不可能的。最有名的例子就是19世纪的“印象派”。比如看库尔贝的《村姑》这幅画。现在我们知道。巧妙地运用风景中的形象。以突出绘画中的社会意义。这种做法确实有效;但在库尔贝的时代。评论家认为他的画既丑又俗。他们不赞同他对传统风景画的否定。由于他不肯在画面上安放理想的人物和历史的题材。他在1852年巴黎美展上着实招致尖厉的批。这种不被当下文化环境重视的现象历史上屡见不鲜。是否有什么办法可以减少这种观赏的“局限性”呢?

  印象派。广义地说。这个词用来指画家在观察某一作画对象时所取得的第一个视觉影像。在这个意义上。它也用来指画家在画布上成功地捕捉到的整体效果。在狭义然而是较精确的意义上。学院把这个词当作“构思图”的同义语。也就是即兴自发的草图。在学院传统中。这种草图向来就只是完成绘画的一个步骤。因此。展出一幅在评论家看来只是草图的作品。就被看作不尊重学院关于正确地素描、造型与润饰的标准。

  起初。印象派最关心的是:光照在自然物体表面时所引起的持续变化效应。以及如何将这种感觉转为绘画。这导致他们去分析局部色彩。即在始终变化的光照下自然物体的颜色。虽然他们发现局部色彩是由不止一种颜色组成的。观察到这一点并不是什么新鲜事;但他们对这种现象异常地关注。因而发展出独特的风格。即破碎的笔触和纯色的并列。

  虽然印象派作品源出于现实主义画家的作品。但在一个重要方面却与它们很不相同——印象派主要感兴趣的是按照他们的观察准确地描绘对自然界的观感。并不想传递丝毫社会或道德信息。


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